La presentadora Sara Uribe, confesó recientemente por medio de sus redes sociales que tuvo que acudir a un especialista para tratar esta difícil enfermedad.
Por medio de su cuenta en Instagram, la presentadora y modeló le contó a sus seguidores que aunque se siente tranquila continua en un tratamiento para manejar la depresión. A demás reveló que, en redes sociales las personas suelen aparentar ser perfectas, pero que realmente sus historias no son reales.
«Ya me provoca hacer deporte, antes se me caía el pelo, se me quebraban las uñas, la piel era fea, los ojos no me brillaban, me miraba a un espejo y no me sentía bonita. Me dolía todo mi cuerpo, no podía caminar, no quería vivir.”, agregó Sara.
Pese a que la presentadora contó que aún tiene momentos de tristeza y que han aumentado por el tema de la pandemia, siente que está en el mejor momento de su vida.
Finalmente, Sara hizo un llamado a todos sus seguidores recordándoles que esta es una enfermedad que hay que prestarle mucha atención, pues es como todas las demás.
«Sigo en terapia y planeo seguir en tratamiento para la depresión porque esa es una enfermedad como cualquier otra. Hay que prestarle atención, hay que tratarla, hay que abrazarla, aceptarla y darle con toda. Cuando uno necesita ayuda, la necesita y a mí no me da pena aceptarlo», dijo.
El anti-existencialismo y la política detrás de Fruko y sus Tesos
Si hablamos de Fruko y sus Tesos hay que hablar de salsa.La salsa, según el New Grove Dictionary of Music and Musicians, es la combinación de géneros musicales de origen híbrido que van desde el son cubano, la guaracha, el mambo, el chachachá, los sonidos antillanos hasta pasar por el bossanova, el reggae, el jazz…
Si hablamos de Fruko y sus Tesos hay que hablar de salsa.
La salsa, según el New Grove Dictionary of Music and Musicians, es la combinación de géneros musicales de origen híbrido que van desde el son cubano, la guaracha, el mambo, el chachachá, los sonidos antillanos hasta pasar por el bossanova, el reggae, el jazz y el rock and roll.
El diccionario de la RAE, por otro lado, se refiere a la “salsa” como: 1) “una composición o una mezcla de varias sustancias comestibles que se hace para aderezar o condimentar la comida”; y 2) “esa cosa que anima o alegra”.
¡Sí!
La salsa no solo abarca una variedad de sonidos y ritmos, sino que expresa un atractivo contagioso: el fervor y la manifestación gozosa que invita a las personas a bailar para sacarse los problemas y recuperar algo de alegría.
La salsa, por lo tanto, y como bien recuerda Andrés Caicedo en ¡Que viva la música!, no se trata de “sufrir me tocó a mí en esta vida”, sino de “agúzate que te están velando”.
Esta forma radical de expresión, en la que el sufrimiento, el descontento, el dolor y el desamor se bailan, la encarna perfectamente una de las agrupaciones más emblemáticas del sonido salsero de Colombia, Fruko y sus Tesos.
La historia de Fruko y sus Tesos
Fruko y sus Tesos fue el humilde peón que emergió de los barrios bajos, la “negramenta” y el populacho (Julio Estrada, conocido como Fruko, por ejemplo, era el “todero” de Discos Fuentes de Medellín en los 60; el Joe Arroyo venía del barrio Nariño, uno de los lugares más marginales de Cartagena; y Wilson Manyoma, Saoko, provenía del barrio popular de la Alameda en Cali).
Pero la agrupación de repente pasó del inframundo al firmamento por la sola virtud de una estética destructora del “bien” y un sonido cósmico; un sonido bravo, picante y energizante que despertó del letargo a diferentes generaciones de jóvenes pobres, bohemios y desclasados en las décadas del 70 y 80.
El sabor y el tumbao del sonido de Fruko fue, al mismo tiempo, la cumbre de la indulgencia, el hedonismo y la resistencia que le permitió a esos espíritus jóvenes desesperados escapar del laberinto de la monotonía cultural y el existencialismo que les ofrecía la música en ese momento.
Hablando de la vida de barrio en los años 50 de su Medellín natal, Julio Ernesto Estrada, Fruko, dice que los tangos eran “canciones de maleantes y camorristas”, y que la música mexicana que se escuchaba en la época como los corridos “también tenían ese mensaje, música de despecho, música para pelear, música triste”.
El escozor que le producía el tango y la carrilera al joven Fruko era producto de la asociación directa de estos dos géneros con emociones que generalmente llevaban al desprecio y al “pesar”.
Y, en ocasiones, despertaban cierto sentimiento de rabia y desesperación por los golpes del destino, especialmente por el amor no correspondido, la muerte, la pobreza y la tragedia.
Pero Fruko y sus Tesos no estaba dispuesto a reproducir en su música la insulsa introspección y la aparente preocupación por un país que está más acostumbrado a acumular tragedias, a reciclar violencias y a apilar muertes.
Por el contrario, el sonido de Fruko era la contraparte y la respuesta al existencialismo hipócrita de otros géneros musicales que tenían como sustento creativo una sociedad que ha vivido “pensando” y “reflexionando” acerca de la “libertad”, la “igualdad”, la “reconciliación”, la “responsabilidad”, el trabajo, la “condición humana”, las mujeres y la sexualidad.
Nada de boleros, nada de tangos.
La banda surgió después del periodo de la Violencia y durante el Frente Nacional, una etapa de reconciliación política y paz doméstica que le permitió a liberales y conservadores repartirse el poder cada cuatro años.
Mientras se ponía en práctica una singular forma de democracia constitucional en Colombia y se implantaban programas sociales y económicos diseñados para rehabilitar zonas del país golpeadas por la Violencia, los músicos de Fruko y sus Tesos producían un mar de fondo de actividad creativa que se proponía reclamar y celebrar este nuevo momento histórico.
Por lo tanto, si el ritmo de la economía “crecía” gracias a las exportaciones de café y la manufactura de bienes de consumo durables, también crecía la caja de ritmos de la agrupación con el lanzamiento de su primer álbum en 1970, Tesura.
Tesura
El disco es un embate de timbales, ráfagas de trompetas, aluviones de bajo y torbellinos de piano, acompañados de la gran voz de Humberto Muriel y, que, puestos en un mismo plano permitían ir a la búsqueda de nuevas formas de éxtasis capaces de maravillar y enlazar los sentidos.
Esta primera visión de la banda ya exponía su extremo más furioso, el lado vistoso y reconfortante de un mundo que comenzaba a despertarse gracias a las descargas de energía producidas por cada nota.
Los jóvenes reunidos en las esquinas, en los parques, en las verbenas al aire libre de ciudades como Medellín, Barranquilla, Bogotá y Cali encontrarían su propio nirvana y nuevas formas de placer en los compases de la música de Fruko y sus Tesos.
La entrega a la exaltación de los condenados —mientras se bailaba al ritmo de un nuevo estilo de música sincrética que se estaba confeccionando— se dio con el lanzamiento del segundo LP, A la memoria del muerto de 1972.
A la memoria del muerto
Despojando a la música hasta su desnudez más esencial de mera actitud, ritmo y tumbao, el disco presenta un mensaje claro: ¡No más lamentos!
En la canción que da nombre al álbum, A la memoria del muerto, Edulfamid Molina Díaz, más conocido como Piper Pimienta canta:
Yo no quiero que me hablen / De pena ni sentimiento / Yo quiero vivir mi vida / Alegre, feliz, contento / El día que yo me muera / No quiero llanto ni rezo / Pregúntenle a Jaime Ayala / Que es ahora, el vivo muerto.
Como si se tratará de una especie de oda a los años de guerra y violencia bipartidista, la muerte recobraba no el tradicional sentido de dolor y tristeza, sino de alegría, seducción y comedia.
La salsa brava, la salsa picante que emanaba de la banda no hizo más que derretir las jerarquías que la tradición musical colombiana había impuesto, pero, sobre todo, produjo un tipo de cinismo crítico que se burlaba de la figura épica del héroe positivo cuyo único objetivo era la búsqueda obstinada de una vida libre mediante el trabajo duro y el sufrimiento.
Fruko el bueno
La materialización de esta idea se dio en el quinto LP de la agrupación, Fruko el Bueno, “Ayunando” de 1973.
En este álbum la banda ya contaba con la participación vocal del enorme Joe Arroyo —quién previamente había grabado los discos Fruko “El Bueno” (1972) y La Fruta Bomba (1972)— y el magnífico Wilson Manyoma, dos de las voces más polirrítmicas del país y capaces de desatar un nuevo ciclón de adrenalina mutante.
¿Por qué es que te resientes si apenas he llegado? / Sabes que estaba ausente y mi amor no ha cambiado / He vuelto lleno de cariño / Y con ansias de amarte y quererte más / ¡Epa! / Si lloras por capricho o por melancolía / Olvida ya la pena y vive el presente / He vuelto lleno de cariño / Y con ansias de amarte y quererte más
Así canta el Joe en la canción El Ausente, para recordarle a Adela que su tristeza y desesperación no es más que el producto de su quietismo contemplativo del pasado.
Este álbum comenzaría a consolidar el sonido de Fruko y sus Tesos, estableciendo una serie de elementos sonoros y rítmicos que, posteriormente, serían una marca registrada y característica de la agrupación.
Por ejemplo, el coro de percusión menor y la fuerza de gravedad del sonido repetitivo de la batería le permitieron a la banda evolucionar en un plano vertical donde la energía asciende y desciende de forma continua y abrupta.
Los estratos percusivos y los propulsores polirrítmicos se combinaron con el lado sórdido y viscoso de la alegría luminosa que proyectaban las letras de muchas de las canciones que la banda interpretaba —aunque, al menos, en sus primeros álbumes no fueran creación propias, sino prestamos de otras bandas.
La resistencia política de Fruko
Más que ganar amigos e influenciar gente, la música de Fruko y sus Tesos fue particularmente emblemática de un nuevo tipo de resistencia política centrada en las expresiones individuales del deseo.
Su foco en la “positividad” de la vida y la alegría no consistía en una simple negación de la situación de precariedad de las personas en el país, sino que iban encaminadas a promover la emancipación de las fuerzas sociales, económicas y políticas que atan e inmovilizan a las personas.
La música de la banda tenía como intención liberar el deseo para que las personas a través de la música se conviertan en “máquinas deseantes”, relacionándose y conectándose en la pista de baile con las otras “máquinas” sin complejos, ni represiones, ni restricciones.
En el disco Fruko el bueno la banda produjo una serie de canciones que invitaban tanto a subir más el volumen como a poner “alguito” más pesado para vivir un momento realmente erótico.
Canciones como Rumbero soy, Cantando mi son me muero, Tania, Vamos a gozá y Rumbita Loca liberaban a las personas de la frustración de sus situaciones económicas, sociales y personales para catapultarlos al Olimpo de la gloria y el júbilo que solo el baile permite.
Fruko y sus Tesos fue para muchos como “vivir un verano mágico”. Sus texturas musicales no fueron solo producto de la ilusión del supuesto “buen momento” que vivió el país en la década de los 70, ni tampoco la negación de la desigualdad y la precariedad que desde hace mucho tiempo hacen parte esencial de un país como Colombia.
Por el contrario, la música de Fruko y sus Tesos se constituyó en un conjunto de visiones sónicas sobre cómo asomar la cabeza para escapar de la violencia, la miseria y la desigualdad tan solo por un momento.
La “magia” se hacía realidad cuando sonaba esa maravilla de sabor, esa maravilla de tumbao.
Las personas solo necesitaban abrir sus sentidos y respirar el aire que el sonido de Fruko y sus Tesos generaba para terminar envueltos en sus perfumes y contemplar la dicha y el placer que producía la travesía por el paraíso perverso de la pista de baile.
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Dragon Ball: los aprendizajes que nos dejó la obra cumbre de Akira Toriyama
El recién fallecido Akira Toriyama fue esencial para la educación emocional de varias generaciones que hoy son adultas. Particularmente por su obra más conocida, Dragon Ball. Este tributo piensa y agradece algunos de esos aportes, como levantando las manos para devolver ki y aportar a un último Genkidama.Por Juan Diego Barrera // @balandro1999Dragon Ball, la…
El recién fallecido Akira Toriyama fue esencial para la educación emocional de varias generaciones que hoy son adultas. Particularmente por su obra más conocida, Dragon Ball. Este tributo piensa y agradece algunos de esos aportes, como levantando las manos para devolver ki y aportar a un último Genkidama.
Por Juan Diego Barrera // @balandro1999
Dragon Ball, la serie de manga y anime ilustrada por Akira Toriyama, es, sin lugar a dudas, la obra más influyente y popular de la animación japonesa. Lo soportan los números comerciales —a los que solo se acerca One Piece— y la avalancha de tributos que vemos hoy, tras la noticia del fallecimiento de su creador.
Inspirado por una de las primeras olas del manga como lo conocemos, y por su fascinación por la animación de Disney, Toriyama consolidó una obra que marcó un antes y un después en el diseño de personajes, en el desarrollo de argumentos y villanos en los programas para jóvenes y, por supuesto, en la representación de las peleas uno a uno.
Sobre todo, marcó algunos de los primeros y más profundos encuentros de generaciones enteras con misterios de la vida y con desafíos de la experiencia humana contemporánea: la muerte, lo que está más allá de lo humano, la inteligencia artificial, la sacrificialidad y hasta el genocidio.
A continuación les presentamos nuestras esferas del dragón: las ideas con las que Dragon Ball, y por ende Toriyama, nos ayudaron a crecer, haciendo que el cielo resplandeciera a nuestro alrededor:
1. La relación entre el mundo de los vivos y el mundo de los muertos nunca es de aislamiento total
Los vivos buscan activamente cómo invocar a sus aliados y a sus seres queridos que no están presentes cuando más necesitan de su poder y compañía. Es apenas lógico, y ellos confían en que la muerte no es lo mismo que el silencio.
Por su lado, los muertos siempre nos están mirando desde otro lugar. Allí, Toriyama los imagina negociando con lo suprahumano para que permita que ellos puedan interferir y ayudarnos. En ese otro mundo, cuando no están velando por nosotros, existen dedicándose a lo que más aman, incluso si se trata de entrenar.
De hecho, en ocasiones, los muertos se dan maña para venir a visitarnos de distintas maneras. Una de las escenas más memorables de Dragon Ball es el reencuentro de Goku niño con su fallecido abuelito Gohan.
Su encuentro le permite al abuelo pedir perdón a su nieto por el daño causado al cortar su particular cola de mono. También es el momento para expresarle cuán orgulloso está de su crecimiento. Ese tipo de fantasías nos permitieron a muchos entender el duelo no solo como pérdida, sino como cambio de la relación con nuestros seres queridos, que siguen interviniendo en nuestro proceso personal y dándonos fuerza y amor.
2. Años y muchos capítulos después, cuando Goku ya era mayor, nuestro héroe entiende que fue él mismo quien asesinó a su abuelo sin saberlo. Con la llegada de los Sayayín a la tierra, Goku conoce a su hermano Raditz, quien le revela el origen alienígena de ambos. Más adelante, el protagonista se enfrenta a Vegeta, príncipe de los Sayayín, quien en medio de la batalla se convierte en un simio gigante haciendo uso del poder que su genética tiene en interacción con la luna llena.
Al ver la transformación, y por ende verse reflejado, Goku entiende que el ataque de un mono gigante que acabó con la vida de su abuelo fue propiciado por él mismo cuando era un niño. Solo al ver los comportamientos en los que él mismo puede caer, dejó de creer lo que pensó durante años: que estuvo inconsciente durante la catástrofe.
Comprender la naturaleza propia, compartida con su hijo y con ese nuevo rival —que se convertirá en su gran aliado—, permite a Goku entender que de su gran poder viene gran responsabilidad, y que es necesario cuidar a los demás de sí mismo.
3. Más adelante, aparece Freezer, el villano más popular de la saga. El alienígena, según le alertaron a Goku los sayayines que ya ha conocido, fue el perpetrador del genocidio de su especie, pues destruyó su planeta de origen por completo. ¿La razón? Una profecía que le alertó de un guerrero que vendría de allí y sería capaz de derrotarlo.
A lo largo de esta saga, Goku y sus amigos ven con temor y consecuencias mortales cómo Freezer aumenta su poder cada vez más, mientras se transforma en versiones de sí cada vez más espantosas. Al final, la vida misma en la tierra depende exclusivamente de nuestro héroe, que tras decenas de capítulos dedicados a la pelea logra alcanzar el nivel Súper Sayayin y derrotar al villano.
Es decir, cumple la profecía, y demuestra que el miedo a la diferencia, esa cobardía extrema que tanta sangre derrama en el mundo real, está condenada a fallar. No importa en cuantas transformaciones tenga, la cobardía es siempre la misma.
4. Pero en la película no-canónica “Dragon Ball Z: ¡Arde! Una superbatalla feroz, extrema y ardiente” aparece Broly —y, seamos honestos: para la infancia latinoamericana, esa diferenciación entre lo canónico o no carecía de sentido.
Broly es otro sayayín sobreviviente, candidato a ser el legendario guerrero. Es un personaje muy conocido por dos razones: los memes y su aparición en los aclamadísimos videojuegos de la serie en los que aparecía —como la saga Budokai Tenkaichi. En estos últimos, como en la serie, Broly estaba hecho para ser muchísimo más difícil de derrotar que otros guerreros Sayayín, pues era mucho más grande y resistente.
La razón es bastante trágica: su padre lo entrenó desde muy pequeño, y lo explotó psicológicamente hasta que hacer de él “el elegido” se convirtió en el sentido de la vida de ambos.
En las diferentes oportunidades en las que los guerreros Z se encuentran con Broly y con gran dificultad lo derrotan, nos enseñaron que nada está predestinado, y que prepararnos exclusivamente para un solo camino en la vida es quitarnos a nosotros mismos la vida en su esplendor, así como nuestro propio potencial.
5. Los androides de Dragon Ball y su historia están evidentemente inspirados por el auge de la saga Terminator. Su versión más terrorífica, Cell, es el eje central de uno de los arcos narrativos más recordados. Ese villano adquiría su poder de literalmente consumir los cuerpos de otros guerreros, absorbiendo sus habilidades y fuerza.
Es una metáfora efectiva que permite entender la inteligencia artificial actual: su poder no reside en sí misma, sino en la sumatoria de producciones humanas que referencia. Evitar que sea o no un problema depende de cuanta resignación tengamos ante la idea de que es un monstruo que supera a nuestra especie.
6. Uno de los puntos más divisivos entre manga y anime de Dragon Ball es el hecho de que Akira Toriyama nunca quiso que Goku fuera comprendido como un héroe justiciero que luchaba por los demás.
En unaentrevista para Wired en 1997, insistió en que, en la adultez de Goku, quiso dejar ver que muchos de los problemas que enfrentan el mundo y los guerreros Z se deben al egoísmo de Goku, y a su insistencia en luchar contra tipos cada vez más fuertes. En ocasiones, —la saga de Cell es el mayor ejemplo–, tomaba decisiones absurdas como dejar la tarea de vencer al villano a su pequeño hijo, generando tal presión que este tuviera que sacar fuerzas del trauma que estaba viviendo en tiempo real para sobrevivir.
Uno de los aprendizajes complejos pero necesarios para hacerse adulto es la realización de que nuestras acciones no necesariamente derivan en lo que queremos en el mundo. Es que además eso aparece en la historia: el mencionado hijo de Goku, Gohan, vence a Cell en una de las peleas más memorables de la saga. Entra así a la discusión sobre el personaje más poderoso de Dragon Ball Z, dada esa pelea.
En la siguiente temporada, lo vemos mayor, convertido en el “Gran Saiyaman” un alterego de héroe frustrado que lucha contra el crimen en la ciudad. Y si bien es importante para derrotar a Majin Buu, buena parte del último tramo de la saga Gohan nos muestra que, como en el vallenato, los caminos de la vida no son los que yo creía
7. La tensión entre la intención del artista y la obra que más masivamente conocimos muestra que es el capitalismo, la industria y los tropos establecidos a lo largo de la historia —como el del viaje del héroe— los que nos envían en una senda donde la sacrificialidad y el sufrimiento son lo más valorado. Si bien Goku sembró en muchos la semilla del automejoramiento, ver ese cuestionamiento de Toriyama a Dragon Ball es una oportunidad para deconstruir lo aprendido y pensar antes en el bienestar propio y de los demás.
Hasta siempre, Akira Toriyama. Quienes crecimos en su legado protegeremos el planeta y a nuestros seres queridos con el tesón y determinación que nos enseñaste.
Las 22 películas nominadas a Mejor Película en los Oscar dirigidas por una mujer
Por primera vez, en los 96 años en los que se han celebrado los premios Oscar, tres películas dirigidas por mujeres fueron nominadas a Mejor Película: Barbie, escrita y dirigida por Greta Gerwig, Anatomy of a Fall, escrita y dirigida por Justine Triet y Past Lives, historia con guión original y dirección de Celine Song.…
Por primera vez, en los 96 años en los que se han celebrado los premios Oscar, tres películas dirigidas por mujeres fueron nominadas a Mejor Película: Barbie, escrita y dirigida por Greta Gerwig, Anatomy of a Fall, escrita y dirigida por Justine Triet y Past Lives, historia con guión original y dirección de Celine Song.
Pongamos en evidencia los números. En los años pasados, en los que la Academia ha entregado los premios más codiciados en la industria cinematográfica, solo 22 películas, de las 601 que han sido nominadas a Mejor Película, son dirigidas por mujeres.
En esta edición de los Oscar no solo se hace historia por las tres nominaciones —número que igual evidencia que estamos muy lejos de la igualdad en la industria cinematográfica—, sino también porque siete de las diez películas nominadas fueron producidas por mujeres.
Emma Thomas (Oppenheimer), Emma Stone (Poor Things), Margot Robbie (Barbie), Marie-Ange Luciani (Anatomy of a Fall), Pamela Koffler y Christine Vachon (Past Lives), Ewa Puszczynska (The Zone of Interest) y Amy Durning y Kristie Macosko Krieger (Maestro) fueron quienes movieron los engranajes para que, al final, el resultado de estas siete películas fuera excelente.
Reconociendo el talento de mujeres y su trabajo en la industria del cine, estas son las 22 películas nominadas a Mejor Película en los Oscar que fueron dirigidas por mujeres.
Children of a Lesser God (1986)
RANDA HAINES
La historia de amor en una escuela para sordos entre James Leeds, un profesor, y su inteligente alumna Sarah Norman, fue el debut de Randa Haines en la dirección. En la edición 59 de los Oscar, Children of a Lesser God recibió cinco nominaciones.
Marlee Matlin se llevó el galardón a Mejor Actriz principal, convirtiéndose en la primera mujer sorda y la más joven (21 años) en recibir el premio.
Awakenings (1990)
PENNY MARSHALL
La actriz, productora y directora estadounidense, Penny Marshall, dirigió Awakenings, película basada en hechos reales. La historia es una adaptación de la autobiografía del neurólogo Oliver Sacks en donde cuenta su descubrimiento en 1969 con el que ayudó a pacientes catatónicos.
Dentro del elenco de esta película están Robin Williams, John Heard y Robert De Niro, quien fue nominado a Mejor Actor. A pesar de no llevarse ningún premio, Awakenings tuvo otras dos nominaciones: a Mejor Guión Adaptado y Mejor Película.
The Prince of Tides (1991)
BARBARA STREISAND
Barbara Streisand consiguió la tercera nominación de una mujer en la categoría a Mejor Película.The Prince of Tides cuenta la historia de un hombre en problemas que decide hablar con una psiquiatra y termina enamorándose de ella en el proceso.
No se llevó ningún galardón, pero obtuvo siete nominaciones en los Oscar: a Mejor Actor (Nick Nolte), Mejor Actriz de Reparto (Kate Nelligan), Mejor Guión Adaptado, Mejor Cinematografía, Mejor Diseño de producción, Mejor Banda Sonora y Mejor Película.
The Piano (1993)
JANE CAMPION
Jane Campion escribió y dirigió The Piano, película con la que se convirtió en la segunda mujer nominada a Mejor Directora. La historia, desarrollada a mediados del siglo XIX, sigue a una mujer muda que es enviada a Nueva Zelanda, con su hija y su piano, para un matrimonio arreglado. Al poco tiempo de llegar, un trabajador local se fija en ella.
La película obtuvo siete nominaciones y se llevó tres premios: a Mejor Actriz (Holly Hunter), Mejor Actriz de Reparto (Anna Paquin) y Mejor Guión Original.
Lost in Translation (2003)
SOFIA COPPOLA
En los Oscar del 2004, Sofia Coppola hizo historia. Por un lado, fue la primera mujer en ser nominada por guión, producción y dirección —de hecho, la primera mujer americana en lograr esto —, todo el mismo año. Por otro lado, hace parte de las únicas cinco mujeres que han ganado a Mejor Guión Original, premio que obtuvo por Lost in Translation.
La famosa película cuenta la historia de una estrella de cine (Bill Murray) y una joven (Scarlett Johansson) que forman un vínculo particular después de cruzarse en un bar en Tokio.
Ese año Bill Murray recibió su primera y única nominación en los premios de la Academia a Mejor Actor.
Little Miss Sunshine (2006)
VALERIE FARIS
Little Miss Sunshine es una comedia dramática que sigue la historia de una familia que emprenden un viaje por el país para llevar a Olive, la menor, a la final de un concurso de belleza.
La película tiene un elenco icónico conformado por Abigail Breslin, Alan Arkin, Steve Carell, Toni Collette, Paul Dano y Greg Kinnear. Este fue el debut de dirección en largometraje del equipo de esposos Jonathan Dayton y Valerie Faris.
Obtuvo cuatro nominaciones y ganó a Mejor Actor de Reparto (Alan Arkin) y a Mejor Guión Original.
The Hurt Locker (2009)
KATHRYN BIGELOW
De nueve nominaciones, The Hurt Locker se llevó seis Oscars: Mejor Guión Original, Mejor Edición, Mejor Mezcla de Sonido, Mejor Edición de Sonido, Mejor Película y Mejor Directora. Con este último premio, Kathryn Bigelow hizo historia al ser la primera mujer en llevarse este galardón.
Además, fue la primera película dirigida por una mujer en encabezar las nominaciones de la ceremonia.
The Hurt Locker cuenta la historia de un sargento recientemente asignado a un escuadrón, durante la guerra de Irak, que se enfrenta a sus compañeros por su forma de manejar el cargo.
An Education (2009)
LONE SCHERFIG
En los suburbios de Londres en la década de 1960, la película sigue la historia de una adolescente y cómo su vida cambia cuando conoce a Brit, un seductor hombre de 35 años.
Carrey Mulligan, la actriz que interpretó a Jenny, la adolescente protagonista, fue nominada a Mejor Actriz. Once años después obtuvo su segunda nominación por Promising Young Woman. Su tercera nominación en la misma categoría es por Felicia, en Maestro, nominada a Mejor Película en la última edición de los Oscar (2024).
The Kids Are All Right (2010)
LISA CHOLODENKO
Protagonizada por Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Josh Hutcherson y Mia Wasikowska, la película cuenta la historia de dos hermanos concebidos por inseminación artificial deciden buscan a su papá y hacerlo parte de su vida y la de sus mamás.
Estuvo nominada a Mejor Película, Mejor Actriz (Annette Bening), Mejor Actor de Reparto (Mark Ruffalo) y Mejor Guión Original.
Winter’s Bone (2010)
DEBRA GRANICK
Ree Dolly (Jennifer Lawrence) tiene 17 años y está encargada de su familia. Por temas de dinero, Ree se ve obligada a buscar a su padre (John Hawkes), un conocido fabricante de metanfetaminas, a través de una red de crimen local.
Esta película le trajo su primera nominación a los Oscar a Mejor Actriz a Jennifer Lawrence. Dos años después, por su papel en Silver Linings Playbook se llevó el galardón.
Además de esa nominación y a Mejor Película, Winter’s Bone tuvo dos más: Mejor Guión Adaptado y Mejor Actor de Reparto (John Hawkes).
Zero Dark Thirty (2012)
KATHRYN BIGELOW
Después de su nominación y galardón a Mejor Película por The Hurt Locker, Bigelow vuelve a ser nominada, esta vez por Zero Dark Thirty, la historia de la cacería del líder mundial terrorista Osama Bin Laden, después de los ataques del 11 de septiembre 2001.
La película está protagonizada por Jessica Chastain, que interpreta a Maya, una agente de la CIA. Este papel le consiguió la primera y única nominación a Mejor Actriz. Al final, Zero Dark Thirty se llevó un Oscar a Mejor Edición de Sonido.
Selma (2014)
AVA DUVERNAY
Selma fue la primera película dirigida por una mujer negra en ser nominada a Mejor Película en los Oscar.
Esta es la historia de Matin Luther King que libra una batalla peligrosa para asegurar la igualdad del derecho al voto para todos. Una campaña que culmina en una marcha épica desde Selma hasta Montgomery, Alabama.
La película ganó un Oscar a Mejor Canción Original por Glory, escrita por Common y John Legend.
Lady Bird (2017)
GRETA GERWIG
Lady Bird, protagonizada por Saoirse Ronan, Lucas Hedges y Timothée Chalamet, fue la primera película de Greta Gerwig en estar nominada a Mejor Película en los premios de la Academia. Asimismo, fue su primera y única vez nominada a Mejor Directora.
A pesar de que no ganó ningún galardón, Lady Bird tuvo tres nominaciones más: Mejor Guión Original, Mejor Actriz —la segunda nominación de Saoirse Ronan en esta categoría— y a Mejor Actriz de Reparto (Laurie Metcalf).
Christine «Lady Bird» McPherson tiene 17 años y es estudiante de una secundaria católica en Sacramento, California. Gracias a su amiga Julie, decide unirse al grupo de teatro donde conoce a Danny O’Neill, su próxima pareja.
Little Women (2019)
GRETA GERWIG
Dos años después, Greta Gerwig obtiene su segunda nominación a Mejor Película, esta vez con la adaptación de Mujercitas a la pantalla grande.
La historia de las hermanas March obtiene seis nominaciones: a Mejor Actriz (Saoirse Ronan), Mejor Actriz de Reparto (Florence Pugh), Mejor Guión Adaptado, Mejor Película, Mejor Banda Sonora y Mejor Diseño de Vestuario. El Oscar se lo llevan solo por esta última nominación.
Nomadland (2020)
CHLOÉ ZHAO
Después de perder todo en la Gran Regresión, Fern decide emprender un viaje por el oeste americano y vivir como nómada en su furgoneta.
Chloé Zhao rompe un nuevo record y en los Oscar del 2021 se convierte en la primera mujer en tener cuatro nominaciones: Mejor Película, Mejor Directora, Mejor Guión Adaptado y Mejor Edición.
Además, después de ganar a Mejor Directora, Zhao es la segunda mujer en obtener ese galardón y la primera mujer asiática en ser nominada y ganar.
Normadland se llevó también el Oscar a Mejor Película—segunda película dirigida por una mujer en ganarse esta categoría— y a Mejor Actriz (Frances McDormand). De hecho, McDormand fue la primera mujer en ser nominada el mismo año por producir y actuar.
Promising Young Woman (2020)
EMERALD FENNEL
La película sigue la historia de una mujer que, traumatizada por su pasado, decide vengarse de todas las personas que se interpusieron en su camino.
Fennel se convirtió en la tercera mujer en ser nominada por dirección, película y guión original. Al ganar en este última categoría, se convirtió en una de las cinco escritoras que han ganado por Mejor Guión Original.
Esta es la segunda vez que Carey Mulligan es nominada a Mejor Actriz por actuar en una película dirigida por una mujer. En el elenco de Promising Young Woman se le unen Emerald Fennell, Bo Burnham y Alison Brie.
CODA (2021)
SIAN HEDER
Coda es la adaptación en inglés de la película francesa La familia Belier. Es la historia de Ruby, una adolescente que está encargada de su familia porque es la única que puede oír. Cuando el canto llega a su vida, sus sueños pueden interponerse en quedarse con su mamá, papá y hermano para siempre.
En la edición de los Oscar 2022, Coda ganó a Mejor Película, Mejor Actor de Reparto (Troy Kotsur) y a Mejor Guión Adaptado (Siân Heder).
The Power of the Dog (2021)
JANE CAMPION
Jane Campion es la tercera mujer en ganar a Mejor Director en los Oscar. Ese mismo año, se convirtió en la primera mujer en ser nominada dos veces en esa categoría. The Power of the Dog obtuvo 12 nominaciones.
Phil Burbank es un hombre que causa miedo en todos los que lo rodean. Cuando se entera que su hermano, George Burbank, se casa en secreto con una viuda del pueblo, les hace el camino posible.
En el elenco de esta película están Benedict Cumberbatch, quien obtuvo su segunda nominación a Mejor Actor ese año, y Jesse Plemons y Kirsten Dunst, ambos nominados a Mejor Actor/Actriz de Reparto.
Women Talking (2022)
SARAH POLLEY
Women Talking convirtió a Sarah Polley en la cuarta mujer en ganar el Oscar a Mejor Guión Adaptado.
La película, basada en la novela homónima de Miriam Toews, sigue la historia de ocho mujeres de una colonia menonita que luchas por recuperar su fe después de enterarse que varios hombres de la colonia drogaron y violaron a diferentes mujeres durante varios años.
Anatomy of a Fall (2023)
JUSTINE TRIET
Una mujer se convierte en la sospechosa número uno de la muerte de su esposo. Anatomy of a Fall tiene cinco nominaciones en los Oscar 2024: Mejor Película, Mejor Directora (Justine Triet), Mejor Actriz (Sandra Hüller), Mejor Guión Original y Mejor Edición.
Justine Triet es la segunda mujer en ser nominada en la categoría de Mejor Película con una película de habla no inglesa y la número siete en ser nominada por la dirección y el guión el mismo año.
Barbie (2023)
GRETA GERWIG
Greta Gerwig es la primera persona en la historia en tener tres largometrajes de dirección en solitario nominados a Mejor Película.
La historia de la famosa muñeca de Mattel—con importantes giros feministas, como el discurso de America Ferrara— convirtió a Gerwig en ser la primera directora en tener tres nominaciones a Mejor Película.
Después de ser el fenómeno cultural y cinematográfico del 2023, Barbie llega con siete nominaciones a los Oscar 2024.
Past Lives (2023)
CELINE SONG
Celine Song es la primera mujer de color en ser nominada a Mejor Película en su debut como directora.
La historia, que cuenta cómo dos primeros amores se reencuentran después de 24 años, también está nominada a Mejor Guión Original.